Eadweard Muybridge, The horse in motion, particolare.

E’ il biennio 1877-78. Mentre il fotografo Eadweard Muybridge realizza e stampa la sua serie fotografica The horse in motion, scomponendo il movimento continuo dell’animale in singole istantanee, Monet presenta alla Terza Esposizione degli Impressionisti 7 dei suoi 12 dipinti sulla Gare Saint Lazare, elevando coraggiosamente a soggetto pittorico uno spazio urbano simbolo della tecnovita moderna e affermando l’interesse per la serialità.

La tecnologia entra nella pratica artistica in sordina, compiendo una frattura sotterranea che ormai scorre ben visibile in superficie. Ma accade anche il contrario:  Muybridge, per esempio, era solito intervenire in una post-produzione ante litteram sulle sue fotografie, tagliandole e incollandole insieme, ricolorandole. Il cut&paste abitava la sua mente ben prima della digital culture.

Epoca manierista la nostra, facciamocene una ragione.

I ogni caso, a partire da ieri, potete vedere le opere pioneristiche di Muybridge nella più grande retrospettiva che gli sia mai stata dedicata. Dove? alla Tate Modern, fino al 16 gennaio (ma se resistete fino al 30 settembre trovate anche l’annunciatissima Gauguin: maker of Mith)

Tutte le informazioni le trovate qui.

Piazza Santo Stefano. L'immagine è di Simone Sacchi, su Flickr.

Ci contiamo sulle dita di una zampa di gallina. Siamo i sopravvissuti all’apocalisse cittadina di Ferragosto; quella che spazza via corpi e lascia solo spazi, ingoia vetrine ed esibisce edifici.
Ode assoluta al vuoto, alla lentezza, al silenzio. Benedetta oggi da un eccentrico vento e da un azzurro coraggioso.

Bologna si ricorda il suo rosso e lo mostra sfacciata ad occhi assenti. Oggi, forse, la sento più mia.

Buon Ferragosto a chi è rimasto. Malgrado tutto.

PS:  per l’utilizzo – ammetto, indebito – della bella fotografia qui sopra mi scuso in anticipo. Inserisco però molto volentieri il link all’album Bologna di Simone Sacchi su Flickr.

Ombre atomiche. Foto d'archivio, conservata al museo della bomba atomica di Nagasaki.

A volte mi chiedo se il trauma storico della Seconda Guerra Mondiale, che ha accompagnato la mia vita studentesca fin dalla fine delle elementari, sia ancora vivo e condiviso nelle nuove generazioni di bambini studenti. Mi chiedo, per esempio, se anche loro tentano invano di immaginare cosa significhi trovarsi in mezzo all’esplosione della bomba atomica. Mi chiedo se provano lo stesso smarrimento nello sforzo, tutto infantile, di creare un ordine di grandezza delle atrocità – la bomba atomica è più o meno dell’olocausto? - fino ad arrendersi, stremati, all’impossibilità di firmare un elenco certo.
E chissà se la loro estate, come la mia di vent’anni fa, è scandita da letture engagées, libri da grandi portati tra secchiello e paletta, e mostrati con lo stesso orgoglio del primo bikini. Nell’iniziazione alla fase adulta, le atrocità della Seconda Guerra Mondiale sembravano stendersi sui nostri corpi come i tatuaggi da spiaggia, gli amati trasferelli barattati con quattro ghiaccioli alla menta.
Ecco, Il 9 agosto di vent’anni fa la mia mente sarebbe andata almeno qualche secondo all’ultima, indicibile, bomba, quel fungo di luce e di polvere che trasformò improvvisamente i buoni in cattivi, distruggendo per sempre l’happy end.

Quando, qualche mese più tardi, vidi in diretta le palle di fuoco sopra Baghdad, non credetti alla loro “intelligenza” né alla “giusta causa”. Avevo undici anni, leggevo Cioè e ascoltavo i Guns ‘N Roses, ma alla TV vendevo cara la pelle. Il trauma della Seconda Guerra Mondiale mi aveva salvato.

L’immagine pubblicata, conservata al museo della bomba atomica di Nagasaki, documenta le ombre di una scala e di una figura umana, letteralmente impresse sul muro di un’abitazione al passaggio della bomba. Oltre a costituire un impressionante documento storico e iconografico, l’immagine contiene una forza simbolica che spinge a un discorso sulla teoria e la storia della fotografia. Consiglio per questo la lettura dell’affascinante L’istante e la sua ombra, di Jean-Christophe Bailly, ed. Bruno Mondadori.

New York City Polaroid Project

E’ sempre una questione di blend.
Prendi gli ingredienti giusti e mixali insieme sapientemente: otterrai il piatto perfetto, il film indimenticabile, la stretegia marketing ottimale.
Ecco quello che ha fatto il fotografo Andrew Faris, con il suo New York City Polaroid Project.

Solo tre ingredienti: la città di New York, la serialità, il gusto retrò della polaroid.

Letale.

Botto & Bruno, Just for one day IV, 2004. Credit: MART

In questi giorni di intenso lavoro ho scritto poco ma sognato molto.
E così è tornato il mio sogno ricorrente, quello di abitare nella periferia semi industriale di una grande città, simile a quelle meravigliosamente messe in scena dalla coppia di artisti torinesi Botto & Bruno.

Excentrica. La periferia è un’attrazione e una repulsione che attraversa tutta la mia vita. Ma che significa?
Nella sua accezione più comune, periferia significa serialità, desolazione, squallore, abbandono.
Significa emarginazione sociale, spazi abitati da chi ha perso, o mai ha avuto, il diritto alla bellezza. Siamo sicuri che sia solo un lusso, un accessorio, un ornamento della nostra esistenza?

Non è forse, il diritto alla bellezza, una componente fondamentale per la nostra lotta politica, come l’uguaglianza, la “fratellanza”, la libertà?

Ma un dubbio mi assale: sappiamo riconoscerla? O finiamo per chiamare bellezza quello che bellezza non è?

Autoritratto. Galleria Alessandro De March, Milano © Moira Ricci

Difficile trovare parole all’apnea che si può provare nell’osservare quest’immagine, dialogo impossibile ma reale tra una madre scomparsa e una figlia rimasta.

Se l’assenza è vuoto privo di forma, l’amore è immagine desiderante e piena, che richiede presenza.
Atto necessario che non concede compromessi. E il digitale fa il resto.

Moira Ricci è artista che si muove tra video, fotografia e installazioni. Ha creato la serie fotografica 20.12.53 – 10.08.04 poco dopo la morte della madre, nel 2004, proseguendola fino al 2009. Il suo lavoro, complesso e ricco di riferimenti teorici, ha fortissime radici autobiografiche e spinte oniriche.

L’ho intervistata nel numero 52 di Digimag, appena uscito.

Anonimo, parte del sonderkommando del campo di Aushwitz.

Questa foto, letteralmente strappata alla realtà infernale di Aushwitz nell’agosto 1944 da alcuni internati, arriverà insieme ad altre in modo rocambolesco alla resistenza ebraica polacca, nascosta all’interno di un tubetto di dentifricio e accompagnata da questo accorato appello:

Urgente. Inviate il più rapidamente possibile due rullini di pellicola in metallo per macchina fotografica 6×9. Possiamo fare foto. Inviamo foto di Birkenau che mostrano detenuti inviati alle camere a gas. Una foto rappresenta uno dei roghi all’aria aperta in cui si bruciano i cadaveri, poiché il crematorio non è grande abbastanza per poterli bruciare tutti. Davanti al rogo cadaveri che stanno per essere gettati. Un’altra foto riproduce un luogo nel bosco in cui i detenuti si spogliano, così credono, per farsi una doccia. A ruota saranno inviati nelle camere a gas. Inviate i rullini il prima possibile. Inviate subito le foto a Tell – pensiamo che foto ingrandite possano essere inviate più lontano.

Foto e testo tratti da Georges Didi-Huberman, Immagini malgrado tutto, Cortina, 2005.